After two years he obtained together with Gerard Röling a loge at the Academy. That summer he travelled to Mallorca and the South of Spain and painted among others gypsy girls and children portraits for the family Fernandez in Granada. By his welmannered and pleasant behaviour he always was warmly received by families in foreign countries.

Han finished the Amsterdam Academy with flying colours, which resulted in a government grant to extend his studies at the Academia della Bell’ Arte in Florence (Italy) under Professor Casnesa.He worked in ufici and studied the Florentin masters.
The time in Italy at the womb of the great italian classics, gave an additional depth and dimension to his work and added an italian touch to his individual style.
An exhibition of his work at the acadamy of Florence incited the Corriera della Sera to write an article titled “Il Botticelli di 20° siecla veni da Ollanda” (The botticelli of the 20th Century comes from Holland).

Upon his return to Holland, the real challenge was yet to begin, find a studio with nor-thern light and start working for a living. All beginnings are tough, but gradually people found Hulsbergens' third floor double studio on the Singel canal 137 in Amsterdam to have their or their loved ones portraits painted for posterity.
Numerous short trips in the thirties took him to Paris, Madrid, Toledo and Granada to study the old masters and have a first hand visual experience of the localities.

His future wife Fieneke van der Sijp he met in 1935 in Amsterdam, where she studied piano at the conservatory and was engaged in the Amsterdam National Ballet. Han just had finished a large canvas «Alegorie der Muziek» as well as the portrait of Fieneke in the dunes.
They married in 1936 and moved to the Weteringschans across from the Rijks Museum. Among their friends were many artists, actors and writers and Han spend much time at the «Kring» (Circle for Artists)

For the important Amsterdam annual art exhibition (Arti et Amiciciae) Hulsbergen was to send in some of his work. He had been so busy making portraits of the “in crowd” that he had nothing to send. His clients though were happy to lend their paintings and to be part of the display at the exhibition.
That year of 1939, his portraits were elected by the jury, and Han Hulsbergen became the painter to receive by Her Majesty the Queen the Van Collem Prize. His work was recognised, he was to make a portrait of Her Royal Highness Queen Emma.

In 1939 the couple moved to Baricum a village of farmers, tucked away in the sandy briar fields of Holland, where the light was very special. It became the hide-out of artist; painters, sculptors, architects, authors and poets. (Today Televison people, performing artists, bankers and of course real estate agents).

The artists lived in harmonious cohabitation with the farmers, the latter worked the land the others painted it or put it into words. That was fine with the farmers. Gradually more artists discovered the virtues of this little “enclave”, once the proprietary stalking ground of Anton Mauve, now sheltered; Piet Mondriaan, Raoul Heijnckes, Han Hamdorff, Prof. Roland Holst, Geni Peter, Cees van Meegeren, Hooykaas, Paul Koning, Karel Appel, Tajiri, Paul de Lussanet... Other settlers installed themselves, ir. Van Gogh with the largest collection of his nephews works (which he donated to the Van Gogh museum in Amsterdam, on the condition that the city would build it), Mr. B. with the most amazing collection of Piet Mondriaan.
But it was not to remain so nice, World War II suddendly knocked on the door, invasion, occupation, hunger winter, house searches, Canadian shot-down pilots hiding in the attic, jew-ish friends to be sheltered.

Han had not been aware of the coming war and had gone to Twente for some portrait commissions. with great difficulty by bicycle and foot he returned to Blaricum.
Enough subjects to express on canvas, but no materials, they were as scarce as butter and flour.

Romantisism was past, world reality had burst into the peaceful country life. Visual expression descibed another dimension of mankind: the atrocities, the suffering, dictators. These had to be expressed, be put on canvas. Children were born, they needed to be fed, survival became number one, closeness with friends and neighbours grew. Only together we can survive while the underground resistance was trying to bite back at the opressor.Han’s art took a different expression, another dimension, the figures were less precise, the laborious fine painting and romantism, was replaced by a quicker dynamic brushstroke capturing the underlying power and showing what the people felt, where they were, how they suffered and how they tried to maintain against all odds their dignity. The five “war canvasses”, finished in 1948, some of them of important size, featuring crowds of people, were very powerful and depicted the era of country side living conditions in occupied Holland.

A triptique “House Search”, Hunger Winter” and “The Wisper” were hung at his first post war exhibtion in 1946 and sent the art critics howling. What happened to the Hulsbergen, the romantist, did he lose the touch? But none of these critics could neglect or miss the pure genius, the power and intensity of expression, neither the talent.
As a non conforming artist Hulsbergen went into the new post war era, reaping the acknowledgement of the international art buying world.

In 1952 he was send by the Government for a study trip to Greece, where he installed himself in an apartment in Piraeus, overlooking the bay with the backdrop of the mountains, on which the previous Greeks had so thoughtfully build the Parthenon for everyone to see.

Han was overwhelmed with the sheer beauty, the architecture, frescos and sculptures of the ancient Greeks, as welll as their current life, the people in the streets, the women washing, the things one could transport on a donkey, the fishing boats in the ports, the houses, the ruins, the Oracle of Delphi and... Hydra, where once discovered, he instantly moved his head-quarters.

f he was not talking to people or having a drink and a bite to eat, he was studying mythology or drawing. One sketch book after the other was filled with sketches and drawings of scenery, people, animals, mythological scenes and ruins.

There really was no time to make a canvas, time was precious, the impressions needed to be “fixed” now, before they’re gone.

Successfull exhibitions in Holland, New York, Dublin, London, Pittsburg followed in succession, while Han feverishly worked in his thatched roof studio on the Grenslaan in Blaricum. Always searching to get to the pure essence of painting. Reducing the number of lines, to achieve a more powerfull expression in portraits using five or six base lines, introducing angles in normally round faces.

At the The Hague national exhibition Hulsbergen was elected for the “Royal Begeer Prize”.
Suddenly his work was stamped “Cubist”. But it was not cubist as such. It was his own style, his own reduction of flowery worked out brush strokes to a more bold figurative tech-nique, full of expression and tension in the lines and composition.
Almost any major scene he had painted before in his precise detailed technique for which the artworld carried him on their hands, he reworked in this fast flowing spontaneous cubist like signature.
His talent, his indepth knowledge of tech-nique and a very steady hand enabled him to relate complex scenes back to a single continuous line. A composition as a signature.
With all its tensions and expression bundled in this one-time-only brush stroke.
This work breathes the talent as an artist, who has conquered the resilience of the brush, the resistance of oilpaint and the unyielding canvass.
When the art world, which had been holding their breath, finally accepted his “new style” and started to discover the quality and finesse of the stroke, Hulsbergen went yet off on to something totally different.

Through his continuous experimentation with materials, he found a concrete mixture which enabled him to sculpt as one would with clay. He called his invention “Meliora Beton”. As a sculptor he worked the metal armour and the concrete into sheer fragile looking sculptures and as a painter coloured and sealed the grey stone material as if it were a canvas.
As from 1955 his “Meliora” sculptures became a great success with architects and project developers, as a result a number of commissions came from government institutions as well as commercial corporations for murals and free standing sculptures.
His Meliora sculptures were exhibited in a number of galleries, parks and museums in Holland and England.
While sculpturing the rough concrete material Han still continued painting and moving forward with a style and composition of his own. More and more his paintings became abstract, not only using the traditional paints but other materials were often included, wood, sand, mother of pearl, resins, metals, glass, bottle caps, shells...

In 1967 through the aquaintance of the owner of a Dutch enamel factory, Han started painting with enamel. "Playing with fire", as he expressed it. Since enamel is nothing less than liquified glass at high temperature and cooled down in steps, Hulsbergen, with his particular talent of immediately grasping the particularities of materials, very quickly made oversized “paintings”, which to the expert opinion of specialists could not be done.
But it worked, the material held together and it did not crack even after the most rugged tests.

His enamels were an explosion of myriad colours, enhanced by the high intensity of the glass surface. After experimenting with different types of consistencies and techniques he was commissioned to do an enamel wall of eight meters high and fifty meters long, made of metal sheets of 4 by 1 meter.
A great new avenue opened for the factory, which meant for Hulsbergen to move on to new roads of experimentation.

Han took a walk about to Australia and stayed a year. Submerged by the beauty of the Australian outback and the vivid colours of the rocks, he could not sit idle and almost imme-diately started to work. His canvasses were made from available materials that australian nature provided. Sand, rocks, eucalyptus wood, leaves, wool, seashells; using his technique and experience to blend and make paints, glue and compose.
His Oz work is different, so different it is Australian. A cameleon capturing the intrinsic part that makes an Australian different from other beings in the rest of the world.
Before his return voyage to the old continent two exhibitions were held, one in the Travel-lodge Gallery and one in the Skywalk both in Sydney.

Back in Holland, back to the old thatched roof studio, back to feverishly working, back to the bicycle, his main means of transportation till the end of his life. Drawing, painting and returning to good old canvas and oils.
Some exhibitions in galleries and museums, but Han could not really be bothered, there was still so much to do so much to finish. Feverishly afraid to run out of time.

Together with Fieneke they went back to Greece. The country had changed, pollution was eating at the once sparkling white ruins and columns, Athens was a cacophony of polluting cars. But essentially some of the beauty was still there and most important the light, it had not changed, Hydra had barely changed. Han just observed with his experienced eye and soaked up the light and the intensity of the shadows.
Back in Holland he delved into the deepest recesses of his studio, and relocated an old wooden trunk and delved out the drawings and sketches made in Greece in the fifties.
And finally found the peace of mind, to put on canvas these most cherished visual memories of the days long past that he remembered now so vividly. He just had to see the light again and it all came back through to the sketches like snapshots of the past.

Han’s eyes were not focussing anymore, there was a blurr in front, the cornea was detaching, it did not stop him from painting, the steady experienced hand guided him. These canvasses are different, everything he had experimented and experienced, with all his knowledge and technique, he produced canvasses of scenery and people, as in a dream.
One sees what they are doing, one imagines what they are thinking, it is not sharp, you can see the leaves in the trees if the wind would not have been so strong. You see everything with your mind's eye, in reality you see an indication. It is impressionist but at the same time so infinitely precise.

The circle was closing. His oeuvre was taking its final quintessence, everything was there and at the same time there was nothing, make believe for the beholder, imagine your own painting the one you cherish, the one you make up in your own mind, the actual canvas is your guide.
Everything is nothing and nothing is everything. The essence of things past and things to come.
At the age of 88, Han Hulsbergen deeply understood life and became one with the eternal omnipresent universe.

Han Hulsbergen, né à Hengelo (Pays-Bas) au tout début du 20e siècle, était un artiste aux multiples facettes. Il a reçu son premier kit de peinture à l'âge de 8 ans et a commencé à dessiner et à peindre à partir de livres.
Lorsqu'il a terminé le collège à 18 ans, il a dû gagner sa vie et mettre de l'argent de côté pour payer son entrée à l'Académie d'Amsterdam. Il a travaillé pour un photographe et a retouché des photos de portraits. Il est devenu assez expert dans ce domaine et a eu pendant un certain temps son studio de photographie à Middelburg. Lorsqu'il a économisé suffisamment d'argent, Han prend des cours privés de dessin à l'école Normaal School d'Amsterdam pour préparer l'examen de l'Académie d'État d'Amsterdam.
En 1926, l'examen consiste principalement en un dessin précis de statues et de perspectives. Pendant cette période, il réalise un portrait du professeur de Vries. Après avoir passé les examens préliminaires, il est accepté et bénéficie d'une bourse du gouvernement. Il étudie à l'académie sous la direction des professeurs Wolter et Roland Holst, tous deux intransigeants, ainsi que du professeur Bronned (sculpture), qui amènent leurs élèves au plus haut niveau ou les font décrocher.
A 26 ans, ses rêves et sa carrière professionnelle deviennent une réalité tangible. Alors qu'il vivait dans la Plantage Middenlaan, il a obtenu quelques commandes de décoration de scène pour le théâtre Rika Hoppe.
La formation sérieuse et "solide" de l'Amsterdamse Academie, où les techniques de peinture, l'utilisation correcte des matériaux et la préparation des toiles étaient aussi importantes, sinon plus, que le talent et le style, dans la mesure où il était clairement lié à la peinture classique. L'étude approfondie des peintures et des couleurs lui a permis de fabriquer ses propres peintures tout au long de sa vie professionnelle et de comprendre le comportement infini de presque tous les matériaux.

Après deux ans, il obtient avec Gerard Röling une loge à l'Académie. Cet été-là, il voyage à Majorque et dans le sud de l'Espagne et peint entre autres des portraits de gitanes et d'enfants pour la famille Fernandez à Grenade. Par son comportement bien élevé et agréable, il a toujours été chaleureusement accueilli par les familles des pays étrangers.
Han termine avec brio l'Académie d'Amsterdam, ce qui lui vaut une bourse du gouvernement pour prolonger ses études à l'Academia della Bell' Arte de Florence (Italie) sous la direction du professeur Casnesa. Il travaille dans des ufici et étudie les maîtres florentins. Le temps passé en Italie, au sein des grands classiques italiens, a donné une profondeur et une dimension supplémentaires à son travail et a ajouté une touche italienne à son style individuel.
Une exposition de ses œuvres à l'académie de Florence incite le Corriera della Sera à écrire un article intitulé "Il Botticelli di 20° siecla veni da Ollanda" (Le Botticelli du 20ème siècle vient d Pays Bas).
À son retour en Hollande, le vrai défi était de commencer, de trouver un studio avec la lumière du nord et de commencer à travailler pour vivre. Tous les débuts sont difficiles, mais petit à petit, les clients trouvaient le studio double au troisième étage du canal Singel 137 à Amsterdam pour faire peindre leur portrait ou celui de leurs proches pour la postérité.

De nombreux petits voyages dans les années trente l'ont amené à Paris, Madrid, Tolède et Grenade pour étudier les vieux maîtres et avoir une expérience visuelle de première main des localités.
Sa future épouse, Fieneke van der Sijp, il l'a rencontrée en 1935 à Amsterdam, où elle étudiait le piano au conservatoire et était engagée dans le Ballet national d'Amsterdam. Han venait de terminer une grande toile "Alegorie der Muziek" ainsi que le portrait de Fieneke dans les dunes. Ils se sont mariés en 1936 et se sont installés au Weteringschans, en face du Rijks Museum.
Parmi leurs amis se trouvaient de nombreux artistes, acteurs et écrivains et Han passait beaucoup de temps au "Kring" (Cercle des artistes).

Pour l'importante exposition artistique annuelle d'Amsterdam (Arti et Amiciciae), Hulsbergen devait envoyer certaines de ses œuvres. Il avait été tellement occupé à faire des portraits du "gratin d Pays Bas" qu'il n'avait rien à envoyer. Ses clients, en revanche, étaient heureux de prêter leurs tableaux et de participer à l'exposition.

Cette année-là, en 1939, ses portraits sont élus par le jury, et Han Hulsbergen devient le peintre à recevoir de Sa Majesté la Reine Wilhelmina le prix Van Collem. Son travail étant reconnu, il devait réaliser un portrait de Son Altesse Royale la Reine Wilhelmina. En 1939, le couple s'installe à Baricum, un village de fermiers, niché dans les champs de bruyère sablonneux de Hollande, où la lumière est très particulière. C'est devenu le repaire des artistes : peintres, sculpteurs, architectes, auteurs et poètes. (Aujourd'hui des gens de la télévision, des artistes du spectacle, des banquiers et bien sûr des agents immobiliers).

Les artistes vivaient en cohabitation harmonieuse avec les agriculteurs, ces derniers travaillaient la terre, les autres la peignaient ou la mettaient en mots. Cela convenait aux agriculteurs. Peu à peu, d'autres artistes découvrent les vertus de cette petite "enclave", autrefois terrain de chasse exclusif d'Anton Mauve, Piet Mondriaan, Raoul Heijnckes, Han Hamdorff, le professeur Roland Holst, Geni Peter, Cees van Meegeren, Hooykaas, Paul Koning, Karel Appel, Tajiri, Paul de Lussanet...
D'autres colons s'installent, ir. Van Gogh avec la plus grande collection d'œuvres de son neveux (dont il a fait don au musée Van Gogh d'Amsterdam, à condition que la ville le construise), M. B. avec la plus étonnante collection de Piet Mondriaan.

Mais cela ne devait pas rester aussi agréable, la Seconde Guerre mondiale a soudainement frappé à la porte, l'invasion, l'occupation, l'hiver de la faim, les perquisitions, les pilotes canadiens abattus qui se cachent dans le grenier, les amis juifs à abriter. Han n'était pas au courant de l'imminence de la guerre et s'était rendu à Twente pour quelques commandes de portraits. C'est avec beaucoup de difficultés, à vélo et à pied, qu'il est revenu à Blaricum. Assez de sujets à exprimer sur la toile, mais pas de matériaux, ils étaient aussi rares que le beurre et la farine. Le romantisme était révolu, la réalité du monde avait fait irruption dans la vie paisible de la campagne. L'expression visuelle décrit une autre dimension de l'humanité : les atrocités, la souffrance, les dictateurs. Il fallait les exprimer, les mettre sur la toile. Les enfants naissent, il faut les nourrir, la survie devient la priorité, la proximité avec les amis et les voisins s'accroît.

L'art de Han a pris une autre expression, une autre dimension, les figures étaient moins précises, la peinture fine et laborieuse et le romantisme ont été remplacés par un coup de pinceau dynamique plus rapide capturant la puissance sous-jacente et montrant ce que les gens ressentaient, où ils étaient, comment ils souffraient et comment ils essayaient de maintenir leur dignité contre vents et marées.
Les cinq "toiles de guerre", achevées en 1948, certaines d'entre elles de taille importante, représentant des foules de personnes, sont très puissantes et dépeignent l'époque des conditions de vie à la campagne dans la Hollande occupée. Une triptique intitulée "House Search", Hunger Winter" et "The Wisper" a été accrochée lors de sa première exposition d'après-guerre en 1946 et a fait hurler les critiques d'art.

Qu'est-il arrivé à Hulsbergen, le romantique, a-t-il perdu la main ? Mais aucun de ces critiques ne pouvait négliger ou manquer le génie pur, la puissance et l'intensité de l'expression, ni le talent. En tant qu'artiste non conformiste, Hulsbergen est entré dans la nouvelle ère de l'après-guerre, récoltant la reconnaissance du monde international des acheteurs d'art.

En 1952, il est envoyé par le gouvernement pour un voyage d'étude en Grèce, où il s'installe dans un appartement au Pirée, surplombant la baie avec en toile de fond les montagnes, sur lesquelles les Grecs précédents avaient si bien construit le Parthénon pour que tout le monde puisse le voir. Han est subjugué par la beauté de l'architecture, des fresques et des sculptures des Grecs de l'Antiquité, ainsi que par leur vie quotidienne, les gens dans les rues, les femmes qui font la lessive, les objets que l'on peut transporter sur un âne, les bateaux de pêche dans les ports, les maisons, les ruines, l'oracle de Delphes et... Hydra, où une fois découvert, il a immédiatement déplacé son quartier général. S'il ne parlait pas aux gens, ne prenait pas un verre et ne mangeait pas, il étudiait la mythologie ou dessinait. Un carnet de croquis après l'autre était rempli de croquis et de dessins de paysages, de personnes, d'animaux, de scènes mythologiques et de ruines. Il n'y avait vraiment pas le temps de faire une toile, le temps était précieux, les impressions devaient être "fixées" maintenant, avant qu'elles ne disparaissent.

Des expositions réussies en Hollande, à New York, Dublin, Londres, Pittsburg se succèdent, tandis que Han travaille fébrilement dans son atelier au toit de chaume sur la Grenslaan à Blaricum. Il cherche toujours à atteindre l'essence pure de la peinture. Il réduit le nombre de lignes pour obtenir une expression plus puissante dans les portraits, utilisant cinq ou six lignes de base, introduisant des angles dans des visages normalement ronds.

Lors de l'exposition nationale de La Haye, Hulsbergen est élu pour le "Prix Royal Begeer". Soudain, son œuvre est estampillée "cubiste". Mais il n'était pas cubiste en tant que tel. C'était son propre style, sa propre réduction des coups de pinceau fleuris et travaillés à une technique figurative plus audacieuse, pleine d'expression et de tension dans les lignes et la composition. Presque toutes les scènes importantes qu'il avait peintes auparavant dans sa technique précise et détaillée, pour laquelle le monde de l'art l'a porté sur les bras, il les retravaillait dans cette signature cubiste spontanée et fluide. Son talent, sa connaissance approfondie de la technique et une main très sûre lui permettent de ramener des scènes complexes à une seule ligne continue. Une composition comme une signature. Avec toutes ses tensions et ses expressions réunies dans ce seul et unique coup de pinceau. Cette œuvre respire le talent d'un artiste qui a conquis l'élasticité du pinceau, la résistance de la peinture à l'huile et l'inflexibilité de la toile. Lorsque le monde de l'art, qui retenait son souffle, a finalement accepté son "nouveau style" et a commencé à découvrir la qualité et la finesse du trait, Hulsbergen est passé à quelque chose de totalement différent.

Grâce à son expérimentation continue des matériaux, il a trouvé un mélange de béton qui lui permettait de sculpter comme on le ferait avec de l'argile. Il appela son invention "Meliora Beton". En tant que sculpteur, il a travaillé l'armure métallique et le béton pour créer des sculptures d'apparence fragile et, en tant que peintre, il a coloré et scellé la pierre grise comme s'il s'agissait d'une toile. À partir de 1955, ses sculptures "Meliora" connaissent un grand succès auprès des architectes et des promoteurs de projets, ce qui lui vaut un certain nombre de commandes d'institutions gouvernementales et de sociétés commerciales pour des peintures murales et des sculptures autonomes.
Ses sculptures Meliora ont été exposées dans un certain nombre de galeries, de parcs et de musées en Hollande et en Angleterre. Tout en sculptant le béton brut, Han continue à peindre et à développer un style et une composition qui lui sont propres. Ses peintures deviennent de plus en plus abstraites, utilisant non seulement les peintures traditionnelles mais aussi d'autres matériaux : bois, sable, nacre, résines, métaux, verre, capsules de bouteilles, coquillages...

En 1967, grâce à la connaissance du propriétaire d'une usine d'émail néerlandaise, Han a commencé à peindre avec de l'émail. "Jouer avec le feu", comme il l'a exprimé. L'émail n'étant rien d'autre que du verre liquéfié à haute température et refroidi par étapes, Hulsbergen, avec son talent particulier de saisir immédiatement les particularités des matériaux, a très vite réalisé des "peintures" surdimensionnées, ce qui, de l'avis des spécialistes, était impossible. Mais cela fonctionnait, la matière se tenait et ne se fissurait pas, même après les essais les plus rudes. Ses émaux étaient une explosion de myriades de couleurs, mises en valeur par la haute intensité de la surface du verre. Après avoir expérimenté différents types de consistance et de techniques, on lui commande un mur d'émail de huit mètres de haut et de cinquante mètres de long, fait de feuilles de métal de 4 mètres sur 1. Une nouvelle voie s'ouvrait pour l'usine, ce qui signifiait pour Hulsbergen de s'engager dans de nouvelles voies d'expérimentation.

Han se rendit en Australie et y resta un an. Submergé par la beauté de l'outback australien et les couleurs vives des roches, il ne pouvait rester inactif et se mit presque immédiatement au travail. Ses toiles étaient réalisées à partir des matériaux disponibles que la nature australienne lui offrait. Sable, roches, bois d'eucalyptus, feuilles, laine, coquillages ; il utilise sa technique et son expérience pour mélanger et fabriquer des peintures, coller et composer. Son œuvre Oz est différente, si différente qu'elle est australienne. Un caméléon capturant la partie intrinsèque qui rend un Australien différent des autres êtres du reste du monde. Avant son voyage de retour sur le vieux continent, deux expositions ont eu lieu, l'une à la Travel-lodge Gallery et l'autre au Skywalk, tous deux à Sydney.

Retour en Hollande, retour au vieux studio au toit de chaume, retour au travail fiévreux, retour à la bicyclette, son principal moyen de transport jusqu'à la fin de sa vie. Dessin, peinture et retour à la bonne vieille toile et aux huiles. Quelques expositions dans des galeries et des musées, mais Han n'en avait pas vraiment envie, il y avait encore tant à faire, tant à terminer. Il avait une peur fébrile de manquer de temps.
Avec Fieneke, ils retournent en Grèce. Le pays avait changé, la pollution rongeait les ruines et les colonnes d'un blanc étincelant, Athènes était une cacophonie de voitures polluantes. Mais pour l'essentiel, la beauté était toujours là et surtout la lumière, elle n'avait pas changé, Hydra avait à peine changé. Han s'est contenté d'observer avec son œil expérimenté et de s'imprégner de la lumière et de l'intensité des ombres. De retour en Hollande, il s'est plongé dans les recoins les plus profonds de son studio, a déplacé une vieille malle en bois et a ressorti les dessins et les croquis réalisés en Grèce dans les années cinquante.

Et il a finalement trouvé la paix de l'esprit, pour mettre sur la toile ces souvenirs visuels les plus chers des jours passés dont il se souvenait maintenant si vivement. Il lui suffisait de revoir la lumière et tout revenait sur les croquis comme des instantanés du passé. Les yeux de Han ne se focalisaient plus, il y avait un flou devant, la cornée se détachait, cela ne l'empêchait pas de peindre, la main expérimentée et stable le guidait. Ces toiles sont différentes, tout ce qu'il avait expérimenté et vécu, avec toutes ses connaissances et sa technique, il a produit des toiles de paysages et de personnes, comme dans un rêve. On voit ce qu'ils font, on imagine ce qu'ils pensent, ce n'est pas net, on peut voir les feuilles des arbres si le vent n'avait pas été si fort. On voit tout avec l'œil de l'esprit, en réalité on voit une indication. C'est impressionniste mais en même temps si infiniment précis.

La boucle se refermait. Son œuvre prenait sa quintessence finale, tout était là et en même temps il n'y avait rien, faites croire à celui qui regarde, imaginez votre propre tableau, celui que vous chérissez, celui que vous inventez dans votre propre esprit, la toile actuelle est votre guide. Tout est rien et rien est tout. L'essence des choses passées et des choses à venir. À l'âge de 88 ans, Han Hulsbergen a profondément compris la vie et ne fait plus qu'un avec l'univers éternel et omniprésent.